Pedro Ayala: El sufrimiento humano en su desgarradora desnudez.

 A través de las figuras humanas, los rostros, los gestos y las expresiones internas que reflejan las alegrías, las angustias, los dolores vividos o temidos; nos vienen recuerdos, recuerdos que viajan en los paisajes de la mente y que han dejado de ser pasado para ser presente. Hay hombres que asumen para sí, el drama de la vida misma, hombres que hacen propio el dolor ajeno. A esta estirpe escasa y en vías de extinción pertenece el artista sinaloense Pedro Ayala.

Es un hecho que nadie podrá ver en las obras de los artistas plásticos lo mismo que ve el pintor a través de sus sueños. Dicha aseveración la hago con la cautela que debe caracterizar cualquier extrapolación hecha en la periferia de la obra en sí, por ello, la obra de Pedro plantea una muestra que nos lleva a una relación entre el interiorismo del ¨yo¨, con su capacidad de percepción social del entorno enmarcada en la figura del ser humano, con una visión excepcional de comprender el dolor, la miseria, la persona, el individualismo y las conexiones con el entorno físico, al final en la lectura de su concepto evoca el egocentrismo de un ser materialista, individualista y sufrido.

Al talento natural, suma  a Pedro Ayala una infatigable capacidad de trabajo, más atenta a la calidad que a la cantidad. Su problemática es compleja y cabe deducir que sus obras exigen maduración en el concepto y en la ejecución; Color, luz, composición, aparecen orquestados dentro de un dolor hecho imagen y que conjuga lo filosófico con lo trascendental; y que además logra como resultado final una armonía que en ningún momento abdica de la fuerza.
En otras palabras, la obra de Pedro Ayala no sólo es dueña de autonomía discursiva, sino a través de una singular sintaxis, nos permite establecer un recorrido por lo que podríamos denominar "demarcaciones místicas". Dichas demarcaciones son las que percibo como mundos sensibles, las cuales evocan los sueños más inhóspitos jamás contados…. Jamás hechos imagen.
La calidad de su obra reside en esa paradoja de libertad duramente controlada por un rigor compositivo, donde la forma establece un diálogo de estricta musicalidad entre el color y la luz. Así los planos adquieren volumen, proyectan sombras, sugieren profundidades y generan movimiento. En ese momento nosotros, los espectadores, conscientes de que lo que importa es la imagen puesta a circular, justificamos y actualizamos esa funcionalidad despoblada; y hacemos del silencio y del poder del espacio el objeto de reflexión.

Para conocer sus obras dejo la página:de  Pedro Ayala

José Cruz: El poeta del blues

José Cruz, un personaje legendario del blues nacional y uno de los compositores más entrañables y profundos que han existido por estos rumbos. Sus presentaciones eran una hoguera sonora, un ritual huichol en el que José Cruz hacía las veces de chamán tomando en cada canción diferentes elementos de la liturgia bluesera: su guitarra Gibson, o su harmónica o su voz, capaz de cantar o de llenar de palabras la música, palabras que en ese tiempo como ahora enervan el espíritu de quien las escucha: “En una de las calles más lejanas del sueño, la más confusa y apagada, donde las sombras se erizan y los miedos se palpan, hay un rincón de café. Sorbiendo a tragos el olvido, trazando penas de papel, borrando nombres y apellidos, está un cadáver de mujer. Bailando con fantasmas vestidos de negro, vendiendo el sexo a placer, fumando la absurda tonada de un necio rompiendo bocas de un revés, tejiendo muerta telarañas, guardando lutos por hacer, odiando el llanto de una virgen, está un cadáver de mujer, con más de un siglo después”. ¿Qué podrían tener en común Dante aligheri, Heracles, el Caballero Owen, José Cruz o cualquiera que haya visitado en la madrugada los bares y sitios más inhóspitos? Pues que han realizado una inmersión al mismo infierno y han regresado para contarlo, ya sea en forma de poema, una leyenda o el blues más negro que te puedas imaginar. Real de Catorce musicalizó toda una época en mi vida, Y no olvidaré veladas maravillosas al calor de su música, acompañado por mis amigos, Pedro Cervantes, René González, Román Ochoa, Adalberto Denis, Alejandro Prieto, Martín Mascareño, Fredy Chávez y Fredy Wong. En ese entonces todos felices y lectores asiduos, enamorados de la poesía, de la música, la literatura y sobre todo de la vida misma. José Cruz era nuestro Morrison, nuestro Dylan y, para nosotros, el único que entendía la esencia triste y cruda del blues y que percibía la lírica como un modo de hacer poesía. Hace algunos años que Real de Catorce dejó de tocar debido a la súbita esclerosis múltiple que padece José Cruz y a diversos problemas sobre los derechos de la banda. Sin embargo José sigue presentándose muy de vez en cuando ahora ya no armado con su guitarra sino con un tanque de oxígeno y sobre una silla de ruedas. José asume su cruz con dignidad y con un gran espíritu que nos sirve de ejemplo e inspiración y que, personalmente, hace más grande la admiración que siento por su persona. Dice que es difícil pero que él quiere ver la enfermedad como una bendición. Una enfermedad que no se cura con la misma medicina con la que él curó nuestras almas durante muchos años, pero que sin duda aligera sus dolores: la medicina del blues. “Un ego demoníaco, los tragos, una mujer, un cuarto subterráneo para estar lejos de Dios.
La cara finísima de mi soledad, el mapa de mis vidas, el porta velas para alumbrar;
Tengo secretos sin revelar, y como un anticuario los guardo en mi corazón”. PD. Si a algún admirador de la música de este gran bluesero nacional quiere cooperar económicamente a José Cruz en el tratamiento de su enfermedad puede hacerlo en la cuenta de HSBC 4039551163 a nombre de José Cruz
*( Fernando Rivera Calderón)

Descarga de discos de Real de catorce (dar click en el nombre del disco):

Voy a morir:

Voces Interiores:

Tiempos Oscuros:

Real de Catorce:

Mis amigos muertos:

De cierto Azul:

Contraley:

Cicatrices:

Al Rojo:

Azul:

Nueve:

Uptown Funk Empire - The Empire Strikes Back (2009)

El francés Bruno "Patchworks" Hovart, músico autodidacta nos presenta un proyecto ilusionante y ambicioso, abarca los mejores días del funk, toda la época de oro del groove, boogaloo, soul, disco y boogie. Bruno "patchworks" Hovart toca el bajo, teclados, ordenadores, composición, programación, arreglos, voces. Cuenta con colaboraciones vocales brillantes y sedosas de Juan Rozoff, de la leyenda del soul britanico Noel McKoy y las divas Ange & Janice, de la flauta de Guillaume «Gomoy» Clarry, de Adriano Sacerdoti aka The Real Fake MC, con composiciones propias y 2 temas de Gary Bartz y Pharoah Sanders.

1. The Empire Strikes Back (Intro)
2. Boogie
3. N.O.W feat. Juan Rozoff
4. We Stand at the Back of the Bus feat. Janice & Ange
5. You've Got to Have Freedom feat. Janice & Ange
6. Keep on Givin' it Up
7. No One Gonna Stop Us Now feat. Noel Mc Koy
8. Take you Out
9. I'm a Manchild
10. I Guess That you Don't Mind feat. JRM
11. Celestial Blues feat. Ange
12. Please Mr. Postman
13. Walkin Like the Ginger
14. Good Time (Bye Bye Mr Dynamite)
15. I Used to Spend my Time
16. The Empire Strikes Back (Outro)

Descarga del álbum:

Charles Bukowski: Born into this (Documental)

Hay mucho de bueno y positivo en este documental. Dullaghan se propuso retratar a Bukowski sin usar una voz en off y en su lugar lo hizo a través de relatos de conocidos, amigos, personalidades y a través de sus propios poemas y cuentos.

El documental recorre también su infancia desdichada, las terribles golpizas de su padre y su forma de capitalizar todo eso. Bukowski recuerda su infancia y concluye: “mi padre me enseñó mucho acerca de la literatura, cuando te pegan lo suficiente, desarrollas una tendencia a decir lo que realmente querés decir”.

Durante una de las sesiones de filmación, Bukowski lee el poema “The Shower” y se larga a llorar en cámara a causa de su separación con una de sus mujeres. Ver al viejo Hank, tratando de leer, quebrado, pendiente y arruinado por una mujer es quizás el momento culminante del documental.

Cabe destacar la participación de Bono , de Tom Waits y de Sean Penn. Tom Waits, desde la identificación con su propio padre, Sean Penn, con la familiaridad de un amigo y Bono, desde una admiración ilimitada. No es que Bukowski necesite semejante aval pero es una nota de color y un nexo entre nuevas generaciones y escritor fallecido en 1994

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subtitulos:

San Pascualito Rey: El dolor hecho Rock

Suenan en mis audífonos acordes de dolor, desgarrados quizá por el amor sepultado en las densas letras de San Pascualito Rey. Una banda ¨chilanga¨ de Rock integrada por: Pascual (voz), Alex Nexus (sintetizador), Alex Otaola (guitarras), Juan (bajo) y Luca (batería); sus recursos son irrebatibles, una voz potente, guitarras omnipresentes y poderosas, bajeo serpenteante y batería retumbante. Su música al puro estilo Barranqueño (más no deja de también ser original) se cimbra en lo más profundo del ser, envolviéndonos en atmósferas del México descubierto en las letras de José Alfredo Jiménez o en ese sutil aroma que deja impregnado el desamor, el dolor que no alivia… el desespero hecho rock.
Una discografía corta, pero que dejo al alcance de aquellos amantes de la buena música y de canciones sin contemplaciones grandilocuentes.

Click en el nombre del álbum para descarga:

SUFRO SUFRO SUFRO (2003):

AHORA VUELVO EP (2005):

DESHABITADO (2006):




ACÚSTICO:

Aflex Combo- The Sound of Feeling (2008)

Aflex Combo es el nombre adoptado por los japoneses: Nagasaki (DJ/productor)y Keisuke Yamazoe.
Yamazoe utiliza una mezcla de ritmos programados, sampleos y músicos en vivo (que van desde el piano y el saxofón hasta las gaitas!) Para crear su tapiz de sonido que incluye jazz, música latina, breakbeats y chillout.
un disco muy bien logrado y que impacta desde el comienzo hasta el final, mención especial a la canción Somethin' BLUE en donde destaca el vibráfono y un excelso trabajo con el órgano de Nagasaki.

1. Introduction
2. Somethin Blue
3. Biliyala
4. The Latin Thing (AC Stomp Mix)
5. After The Rain
6. Dazzling
7. Intermezzo
8. Skit Funky Yeah
9. Time Flows On (Beat Addict Mix)
10. Yearning For
11. Freedom Hill
12. Magic Mood
13. The Sound Of Feeling
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6ix Toys - Un octeto de (¿Funk?) Inclasificables

6six Toys (2008)

De las islas británicas y concretamente de ese lugar tan emblemático para la música como es Liverpool nos llega el que es probablemente uno de los grupos de funk más potentes del continente. Seis instrumentistas y un DJ forman el line-up de esta banda de jóvenes sin complejos bien engrasados de Groove y soul con un disco apabullante y demoledor basado en una sencilla fórmula: energía en estado puro más diversión a raudales más buenas canciones más solvencia instrumental. Con estos elementos la banda se encuentra en el escenario como pez en el agua dando rienda suelta a un sonido correoso y bien articulado en el que encajan los temas propios, temas con los ajenos en actuaciones incendiarias que no dejan a nadie indiferente.

Se dieron a conocer con una acertadísima versión del “Voodoo people” de The Prodigy que llevaron con maestría al terreno del funk-soul, éxito que revalidaron con otro cover, en esta ocasión el “Do your thing” de Bassment Jaxx para situarse inmediatamente en el pelotón de cabeza de las nuevas bandas británicas dentro del género.

1. Paint The Toon Feat. Connie Lush
2. Mosquito
3. Voodoo People
4. The Grind Feat. Yarah Bravo
5. Wake N Bake
6. Skreech (if You Wanna Funk Faster)
7. Bend Yo' Knees
8. Giggle
9. Cannibal Lunch Feat. Katie Miller
10. P-knuckle

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Facundo Cabral: Un mensajero de paz. (1937-2011)

Nacemos para vivir, por eso el capital más importante que tenemos es el tiempo, es tan corto nuestro paso por este planeta que es una pésima idea no gozar cada paso y cada instante, con el favor de una mente que no tiene limites y un corazón que puede amar mucho más de lo que suponemos.
Facundo Cabral.


El cantautor argentino Facundo Cabral, quien fue asesinado este sábado en Guatemala, forjó una carrera musical que lo llevó a recorrer escenarios de más de 150 países con canciones de protesta, compromiso social y reflexión espiritual.

Cabral nació el 22 de mayo de 1937 en la ciudad bonaerense de La Plata y su primera infancia estuvo marcada por el abandono por parte de su padre, Rodolfo; su madre, Sara, quedó a cargo de varios hijos y decidió mudarse a Tierra del Fuego, en el extremo sur de Argentina.

A los ocho años, su familia se mudó a la ciudad bonaerense de Tandil, donde trabajó en tareas rurales y se acercó a la música folclórica.

Debido a su comportamiento rebelde, fue internado en un reformatorio, del que escapó. En varias ocasiones contó que en aquella época conoció a Simón, un vagabundo que le hizo descubrir a Dios al recitarle el Sermón de la Montaña. Aquella experiencia lo llevó a componer su primera canción Vuele bajo.

Con su guitarra al hombro, pocos años después se mudó a la turística ciudad bonaerense de Mar del Plata, donde el dueño de un hotel le dio la oportunidad de cantar en público por primera vez.

Grabó sus primeros disco con el nombre de El Indio Gasparino, aunque este material no tuvo repercusión.

En 1970 grabó No soy de aquí, ni soy de allá, uno de sus mayores éxitos musicales, mismo que lo llevó a compartir escenarios y estudios de grabación con artistas como Alberto Cortez, Julio Iglesias, Pedro Vargas y Neil Diamond.

Su obra se caracterizó por su mensaje espiritual y su tono de crítica social y protesta. En 1976 se exilió en medio de la dictadura militar que gobernó Argentina hasta 1983, y siguió con su carrera musical en México.

En 1984 regresó a Argentina, donde su música fue un gran éxito y donde logró llenos totales en sus conciertos.

A mediados de la década de los 90 se unió a Alberto Cortez para el espectáculo Lo Cortez no quita lo Cabral, donde combinaron humor y poesía con los temas que dieron fama a ambos artistas.

En 1996, la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco ) declaró a Cabral Mensajero Mundial de la Paz por su constante llamado a la paz y al amor.

Entre su discografía se encuentra No estás deprimido, estás distraído, Cantar sólo cantar y Cortezías y Cabralidades.

También escribió varios libros, entre ellos Borges y yo, en el que repasa sus diálogos con el célebre escritor argentino.

Uno de los hechos que marcó su vida fue la pérdida de su esposa y su hija en un accidente de avión, al cual él no alcanzó a subir. Los últimos años de su vida padeció cáncer.

Facundo le atribuía a la música y al cantar el haber dejado atrás el rencor acumulado en su vida y el haberse convertido en una persona libre.

Ya casi ciego y con bastón, resumió en una nota:

"Fue mudo hasta los 9 años, analfabeto hasta los 14, enviudó trágicamente a los 40 y conoció a su padre a los 46. El más pagano de los predicadores cumple 70 años y repasa su vida desde la habitación de hotel que eligió como última morada"

descarga de discografía:

Parte 1:

Parte 2:


Parte 3:

Parte 4:

ÚLTIMO ROUND DE UNA LEYENDA: HEMINGWAY A 50 AÑOS DE SU MUERTE

Escribir también es callarse, aullar sin ruido.

Él era el hombre que se había creado a sí mismo cazando, pescando, boxeando, toreando y combatiendo. Esa estampa virilizada no podía ser contaminada por el soplo crepuscular de la degradación física y mental, tanto más radical cuanto menos advertida. “El hombre puede ser destruido, pero jamás derrotado.” Esta frase de uno de sus personajes más paradigmáticos, Santiago de El viejo y el Mar, podría ser su divisa antropológica. Como los héroes de sus ficciones –guerreros, cazadores, toreros, contrabandistas, aventureros de toda suerte y clase social– no claudicaría. Ya lo había intentado en otras ocasiones, como si hubiera pretendido encarnar lo escrito en uno de sus cuentos, “Un lugar limpio y bien iluminado”. Esta vez no admitiría otra prórroga al knock out que deseaba. Pero el silencio hace ruido. Siempre. Como un cajón cerrándose de golpe. Eso creyó escuchar su mujer, entre sueños, la madrugada del 2 de julio de 1961. Uno de los escritores norteamericanos más importantes del siglo XX, curtido en el fino arte de la necrológica antes de tiempo, esta vez lo hizo. Tal vez su cara era como una fiesta de la cual ya se habían ido todos. Ernest Hemingway, el autor de Adiós a las armas, decidió volarse la cabeza de un certero escopetazo, en su casa de Ketchum (Idaho), hace 50 años.

Conviene eclipsar a esos tentadores heraldos de Hemingway para zambullirse en su formación y en sus obras. A los 18 años, entró a trabajar en el Kansas City, uno de los grandes diarios norteamericanos de posguerra. En las mesas de redacción aprendió a escribir frases breves que capturaron de inmediato la atención de los lectores, desechó el barroquismo retórico y desterró esos adjetivos inútiles que cuando no dan vida matan; recursos que pronto se erigirían en la columna vertebral de su poética. Siempre quiso ser escritor; el periodismo sería un ámbito de fogueo. La afectación lo irritaba. Prefería construir las frases como un cristal que logra provocar la emoción, pero sin anunciarla, relatando de manera precisa la experiencia capaz de causarla. “Si de algo sirve saberlo, siempre trato de escribir con el principio del iceberg –confesaba el escritor a la revista Paris Review, en 1958–. Hay nueve décimos bajo el agua por cada parte que se ve de él. Uno puede eliminar cualquier cosa que sepa, y eso sólo fortalecerá el iceberg. Si un escritor omite algo porque no lo sabe, habrá un agujero en su relato.” En el cuento, precisamente, aplicará esta técnica nueva: mostrar sólo una mínima parte de la historia y hacerla depender de una sólida realidad oculta bajo la diáfana superficie. Hemingway forjó una sólida escuela en la narrativa norteamericana que se prolongaría en autores como Raymond Carver o Richard Ford, herederos legítimos de la teoría del iceberg.

Mucho antes de transformarse en uno de los maestros del cuento, frecuentó la París de los años ’20. (París era la meca para los norteamericanos de entreguerras que anhelaban escribir o simplemente beber y realizar un ajuste de cuentas con la vida). Ya era un “piel roja”, el gran macho de la tribu de escritores. En esa época, una de las más prolíficas, publicó dos de sus novelas, Fiesta (1926) y Adiós a las armas (1929), donde consiguió, gracias a la distancia que tanto ponderaba, plasmar sus experiencias en el frente de batalla. En una de sus más célebres recomendaciones sugería: “Nunca escribas sobre un lugar hasta que no estés lejos de él porque ese alejamiento te da mayor perspectiva”.

“Para escribir sobre la vida, ¡primero hay que vivirla!”, es una frase ciento por ciento de Hemingway. A contrapelo del emblema instaurado por Flaubert –quien advertía que para poder crear una obra un escritor necesitaba establecerse en un lugar tranquilo–,

“Su vida estuvo determinada por un sentido, a veces épico, a veces infantil, de la contienda”, afirma Juan Villoro en el prólogo a la reedición de El viejo y el mar, novela con la que obtuvo el Premio Pulitzer en 1953. El protagonista es un viejo pescador, Santiago, que lleva casi tres meses sin pescar; hasta que captura, luego de una titánica lucha de dos días y medio, un gigantesco pez al que ata a su pequeño bote. El anciano perderá ese botín al día siguiente, en otro combate no menos heroico, en las mandíbulas de los voraces tiburones del mar Caribe. En las ficciones de Hemingway cabalga una constante: hombres que se enfrentan, en una pulseada sin cuartel, a un adversario brutal. Más allá del resultado, el triunfo o la derrota, esas criaturas acceden a otra instancia gobernada por el orgullo y la dignidad. Aun en las peores tribulaciones y reveses, la conducta de un hombre puede mudar la derrota en victoria. Los imperativos categóricos de la ficción pronto perforarían los límites de las páginas. Aunque antes del fin, hubo un atajo inesperado.

Descarga de libros:

Aguas Primaverales (1926):

Fiesta (1926):

Adios a las armas (1929):

Muerte en la Tarde (1932):

Tener o no Tener (1937):

Por quien doblan las campanas (1940):

Al otro lado del rio y los árboles (1950):


Las nieves del kilimanjaro (1951):

Al Romper el Alba (1952):

El viejo y el Mar (1952):

París era una fiesta (1964):


Islas en el Golfo (1970):

Chris Joss- Monomaniacs vol. 1 (2010)

El mundo de la tecnología contemporánea hace posible que los músicos trabajen desde su domicilio. La comodidad doméstica y la portabilidad del instrumental fomentan una labor solitaria con grandes progresos, emanada de dichas es la obra del francés Chriss Joss.
las "escenas sónicas" de este mezclador y productor recrean la imagenería televisiva con diversas influencias: Quincy Jones o Laurie Johnson.
¿los ingredientes de este disco? Electrónica Breackbeat, Acid Jazz, líneas funky de bajo, Riffs de Hammond, oscuros sampleos, Scratch, Ambientes Futuristas, antigua psicodelia, y nueva Blaxpotación de Funk.

1. We Got Some (Part 1&2)
2. Optical
3. Kali Flowers
4. Re-Volt
5. Ford Mustard Cutter
6. Keep On Digging
7. Mo Lovin
8. Shafro
9. Backbeating
10. Highway 75
11. Within
12. Jha Mon

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Calypso King and the Soul Investigators- Home Cooking (2002)

Banda de Nueva Orleans con ritmos negros de Soul y Funky, mezclando canciones rápidas, a su vez muy tranquilas y muy agradables, sobresaliendo el hammond y esa batería Deep Funk que tanto me gusta.
El nombre de este grupo hace que esta versión parezca como un disco de calipso, pero no lo es. El sonido es más parecido a un álbum perdido metros bajo tierra desde 1969 lo que le da ese toque de funk psicodelico. según los créditos del disco mencionan que la banda es de Finlandia, sin embargo es en realidad una banda surgida de Nueva Orleans y con ese estilo de instrumentales muy bien tocados, logrando ese estilo retro del cual hablabamos líneas arriba. Es un disco (desde mi óptica) delicioso y contundente,con buenos riff de guitarra y el sonido de órgano en medio de todo.

1. Home Cooking Part I
2. Mo' Hash
3. Greasy Pork
4. Greens Please
5. Midnight Bar-b-q
6. Ti-ki Tofu
7. Good Food
8. Home Cooking Part II
9. Electric Cooker
10. Micro Popcorn
11. Deep Fried Chitlings
12. Momma's Gravy (Yum Yum)
13. Green Tea & Tobacco

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Calypso King and the Soul Investigators- Soul Strike (2001)

1. Gator Funk Pt.1
2. Ma-Gee
3. Mo' Calypso Strut
4. Some Funk
5. Raw Grapes
6. Investigator's Groove
7. Struggling My Way
8. Brand New Potatoes
9. Ahh Soul!
10. Soul Strike!
11. Chick Beans
12. Ci-Ka-Boo

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